1.写生

写生是学习中国写意人物画的主要方法，写生从落幅与打轮廓开始，落幅是指绘画者如何更好地安排被写生之物象在画面上位置，这种位置的安排应从有利于绘画者对物象感受的抒发、画面总体意境的设想、画面构成之美感出发。初学者一方面要表现自己的感受，又要学习构图最基本的规律，如画面安排应有利主体物象的显目，主体不宜太居中、太靠边、太顶与太沉。画面既应有变化又需稳定平衡，物象的主体部分尽可能进入画面，物像与幅面的比例以不大也不小为好。主体过分大画面视觉上容易闷，太小或太偏则易产生空的感觉等等。一般写生的画面构图上不太复杂，但从写生开始即能注意这方面能力的锻炼是很必要的，写意画打轮廓以柳炭条为好，修改时则可用干布拍去。铅笔有蜡质，炭精条也含胶蜡并易弄脏画面，因此都不适宜打轮廓。另外如果有一定造型基础者则也可以淡墨、甚至清水打轮廓。写意画之轮廓不同于工笔，以抓住物象大的动势与外形特征，并对主要衣纹走势作一些记号即可，将艺术的思考与表现放到以后的运笔与落墨阶段去即兴发挥为好，如果轮廓打得非常具体和详尽，反而不利于笔特色的发挥。

接着便是上墨，这是最关键的一步。上墨阶段以勾勒与落墨为主，实际上用笔与用墨是不可分割的，因此在作画过程中往往是一气呵成的。勾勒时应注意墨色变化与总体设想的协调，而大笔涂刷时又必须注意笔触与线的节奏上的和谐。意笔线的艺术承受力较重，形体、质感、格局和艺术趣味都必须在运笔的瞬间同时呈现于笔墨的挥洒之中。初学者可先将重点放在外形特征与对象质感的表现上。具体作画可从脸部开始，再画整个头部，再接着画其他部位。有些部位如果准备用色彩表现，则可在上墨步骤时即留有余地。眼部是画脸部的关键，也是最困难的、要求最严格的部位，因此应特别注意。画眼方法多种多样，可先谈后浓，也可先浓后淡；可先枯后湿，也可先湿后枯；可留眼珠之极光，也可传统式地以浓墨点眼珠；可黑白分明，也可以感觉为依据虚实自如。总的一句话，画眼既应注重方法，但更应注重当场的感受，技法也需随机应变。其他部位的画法，也应与脸部画法相呼应，如眼部用了留极光之法，则头发及身上的上色上墨，也可结合一些西方的立体画法。如果眼部用传统的点球法或单线勾勒法，则其他部位也应相应以虚实或线的疏密、枯湿、浓淡等变化为主。同时头发也不必过分注意极光与立体感，而应以头发的生长方向、组成方式以及虚实变化为主等等，。

第三步是敷彩，主要是指皮肤部分与衣着部分之敷彩两方面。皮肤部分的敷彩主要是脸部，脸部之敷彩最易掌握之法是从着皮肤的固有色开始。一种是将皮肤的固有色着在皮肤的凸处，一种是着在凹处，还有的是着在作者的感觉与某种美感所需要的部位上，可打破结构界限与立体观念。在固有色之上我们可趁湿复着其他略带变化的肤色，亦可在凹部略染深色。中国写意人物画之脸部及手部、脚部色彩一般不宜太丰富，也不应完全受光源色变化的支配，但可以参照光源色的某些因素以补充固有色的不足。用色的要求应与用墨相同，不应是色的简单涂刷，而是以色去表现并丰富结构，因此同样应注意用色笔触的美感与枯湿的对比变化。脸部一般不用沉淀之色，凡调合后即沉淀之色应洗去重新配置。在中国画用色中赭石是脸部常用之色，但赭石色与墨或其他色调合后极易沉淀，因而可用质细的像朱磦、土红等色代之，便不会沉淀而色相却相同。当然因追求特殊感觉之需而有意选择调配沉淀之色则又作别论了。有时在脸色中少许调人白色也会减少水痕与沉淀，在画妇女幼儿时不妨一试，会取得明显滋润之效果。颜料的沉淀与否不是绝对的，不同的颜料搭配会产生不同的效果，同样品种也会因生产质量的不稳定而有差异，因此这方面的经验只能通过实践去取得。衣着的着色应与脸部着色方法基本协调一致，即格局、体感、色调、手法上基本相同为好。譬如脸部的着色法是感觉式的，不讲究严格的结构表现和打破固有色的互相之间界限的，那么衣着之着色手法也应采用从整体落笔、打破衣服色块之间的界限来进行。如果脸部有适当的体感表现，那么衣着的局部也应有类似的体感描绘等等。一般衣着的用色笔触可以更大些，更放些，取舍也可更大些。为了整体的色调更协凋，固有色的色相可变性也应更大些，衣着之着色、勾勒与着墨在步骤上也可以更自由更随意一些，有时可先着色再勾勒或只再着色而不理勾勒，即没骨法，乃至着墨着色与勾勒同时进行，称为拖泥带水法，既蘸墨又用色，在涂抹时随机勾勒，一气呵成。有些衣着中的纹样与特殊的笔触可以用白色或调胶矾之色先行点划，这样在大片涂抹时，这些纹样会时显时隐，十分自然，可避免后来以复加的方法所容易出现的生硬感。

最后是调整，调整目的是为了使前面各步骤之间联系更有机与自然，画面从整体上更完善与协调，并且对一些不足之处进行补充，对失误之处尽可能进行补救与修改。因此调整可从造型、用笔、用墨、用色等几个方面考虑，不过调整步骤修改不宜过多，修改也要防止破坏原有成功的因素，如果无把握在修正后有所提高，而这些缺陷又尚不足以影响总体的造型与格局，则不必勉强修改。

写意人物画之作画步骤并不很严格，风格不同方法必然亦多样，故以上介绍的作画顺序，只能作为写生时参考，具体还得在各人运用中按自己画风的需要与作画习惯去调整。

2.小品画

即兴式的小品画，是中国画所特有的创作形式，在历史上并没有严格规定小品画的界限，而近代将那些随意性、即兴性明显的创作统称为小品画。小品画像民歌、随笔、小诗那样沁人肺腑，陶冶着人们的情操。

小品画的绘制，没有一定的规律，因为大量的小品画是即兴之作。主要要求它欣赏性，对形式与技法的要求特别高，因而中国画的“养兵千日，用在一时”的特点，在小品画作画过程中表现得更为明显而突出。小品创作还是艺术家灵感的即发式的反映，因此落笔前，必须对整个画面的设想胸有成竹，然后通过一鼓作气的运笔达到浑然一体的境界，将形、神、情、线、面、点、笔趣、力度、节奏、黑、白、灰等交融、组合、贯穿、安排在一个画面之中。

小品画的技法运用比主题性创作更自由，更具探索性，它的技法不宜太丰富，因为小品本身内容不复杂，画材较单一，过多繁杂之技法，反而难以控制全局，所以应在单纯里求变化，变化中求统一。以一处或几处的主线或墨块或色块或强笔触稳住画面，技法的大格调必须统一，否则会严重影响小品画艺术上的完美感。

初学小品画时题材面不宜铺得太开，可选自己最有兴趣和较熟悉的三五个画面去反复变体，不断改进，逐步完善。这种练习的深入，必然会涉及到画面急需使用的各种绘画因素，除人物外，背景中往往会有山水、动物、花草、道具等等，在进行人物部分的精益求精绘制的同时，还必须使背景也具有相应的水平。这样尽管开始时只有三五个画面，其实要使这三五个画面完善起来，必然要进行相当数量的画外练习。随着构思的不断增多，则这种练习范围必然会自然扩伸，使你掌握各种必须的程式和技法，使你从生疏到熟练最后进入自由之境界。小品人物画应从主体入手，主体的含义不一定是人物本身，可以是画面最有特色的部位，有时主体不只是一个，或许无所谓明显的主体，可以从自己最有把握的部分或最感兴趣的地方入手。由于小品画一般幅面不大，因此勾勒、色、墨也无所谓先后，可从效果的需要见机行事。

小品画具有随意性，可随时进行不同题材不同章法的实践；它的即兴性，可使灵感的火花经常得以爆发并尝试。它既可作为习作来练习，同时又包含创作的基本因素，它在主题与题材上要求较宽松，因此只要形式上的美感达到了较高层次，有标题或无标题，具象或抽象，直觉或幻觉等，均可以表现。